"Medienberichterstattung zur Katastrophe in Japan"

Studentisches Symposium, 4. Februar 2012, HHU

Die dreifache Katastrophe vom März 2011 in Nordjapan hinterließ auch in den globalen Medien ihre Spuren. Auch deutsche Fernsehsender, Zeitungen und auch Internet-Medien berichteten wochenlang fast ausschließlich über die Folgen des Erdbebens und des Tsunamis, konzentrierten sich aber vor allem auf die Havarie der Kernkraftwerke von Fukushima. Wie diese Mediendiskurse strukturiert waren, war Thema des studentischen Symposiums „Medienberichterstattung zur Katastrophe in Japan“.
Die Studierenden eines Seminars von Prof. Dr. Dr. h.c. Mae und PD Dr. Tagsold hatten das Symposium selbst organisiert und beworben.

Die Veranstaltung war in drei Themenblöcken unterteilt. Zunächst wurden verschiedene Aspekte der Berichte über die atomaren Katastrophe unter die Lupe genommen – so zum Beispiel die Kontroverse über die sogenannten „Wegwerfarbeiter“ in Fukushima oder die „Fukushima 50“. Der zweite Themenblock wandte sich verschiedenen deutschen Sichtweisen auf die Katastrophe zu. Die Rolle der Japanologen im Mediendiskurs war hier ebenso relevant wie die Frage, wie Deutsche in Japan durch Zeitungen befragt wurden. Abschließend wurde die Sichtweise deutscher Mediendiskurse auf die japanische Zivilgesellschaft analysiert. Insgesamt warfen die Beiträge des Symposiums einen sehr kritischen Blick auf die Mediendiskurse. Immer wieder wurde deutlich, wie kulturalistisch die Berichterstattung argumentiert.

"Jenseits von Murakami – Die ‚andere‘ japanische Literatur der Gegenwart"
Symposium, 17. Juni 2011, Goethe-Museum Düsseldorf

Das Goethe-Museum Düsseldorf öffnete am Freitag, 17. Juni 2011, seine Tore für Japan-Interessierte und Japanologen zu dem Symposium „Jenseits von Murakami – Die ‚andere‘ japanische Literatur der Gegenwart“, veranstaltet vom Institut für Modernes Japan der Heinrich-Heine-Universität Düsseldorf im Rahmen der Reihe: „Tokyo – Düsseldorf, und zurück“.

Diesmal drehte sich alles um die japanische Gegenwartsliteratur, in der es auch jenseits von Murakami Haruki spannende Werke und Autor/innen zu entdecken gibt. Beispielsweise die Literatur der in Japan lebenden koreanischen Minderheit, die Kristina Iwata-Weickgenannt (DIJ Tokyo) in dem ersten Beitrag „Zwischen den Zeilen. Identitätskonstruktionen in der japankoreanischen Literatur“ vorstellte. Für diese Schriftsteller ist die Frage, ob sie sich als japanisch, koreanisch, japankoreanisch oder vielleicht etwas ganz anderes verstehen, eine, der sie sich kaum entziehen können, selbst wenn sie es wollen. Andersherum fordern sie durch die Präsenz ihrer Stimme Konzepte einer japanischen Nationalliteratur heraus und regen so dazu an zu hinterfragen, was denn eigentlich ‚japanisch‘ ist.

Einer ganz anderen Perspektive auf letztere Fragestellung ging Lisette Gebhardt (Universität Frankfurt) in ihrem Vortrag über „Das japanische Unglück in der Ära vor Fukushima – Kirino Natsuos dunkle Welt“ nach. Kirino Natsuo gehört keiner japanischen Minderheit an, aber setzt sich äußerst kritisch mit der japanischen Gesellschaft, dem „Reich der Seifenblasen“ („Bubblonia“), wie Kirino sie nennt, auseinander. Kirinos düstere Romane gehören zum Genre des „Nippon Noir“, gleichzeitig sieht Gebhardt sie auch als Vertreterin einer neuen Prekariatsliteratur, die geprägt ist von der Angst vor dem sozialen Abstieg und ‚Japanhass‘. Abschließend wirft Gebhardt die Frage auf, ob und wie die gegenwärtige Katastrophe in Japan sich auf die Entstehung einer neuen engagierten Literatur auswirken und wie Unglück in der Post-Fukushima-Ära neu definiert werden wird.

Ina Hein (Universität Wien) führte in ihrem Vortrag „Magie und postkoloniale Subversion: Okinawa in der japanischsprachigen Gegenwartsliteratur“ in die Literatur aus und über Okinawa ein. Okinawa, die südlichste Präfektur Japans, erlebte eine wechselvolle Geschichte. Bis zum 17. Jahrhundert war sie ein eigenes Königreich zwischen China und Japan, danach galt die Inselgruppe als zu Japan gehörig und wurde dann im 19. Jahrhundert zur japanischen Präfektur erklärt. Nach der Niederlage Japans im zweiten Weltkrieg besetzten die USA Okinawa.

Erst 1972 ist sie wieder ein Teil Japans, aber noch immer befinden sich dort zahlreiche amerikanische Stützpunkte, gleichzeitig ein wichtiger wirtschaftlicher Faktor und ständige Quelle von Problemen. Auf den japanischen Hauptinseln sorgte ein regelrechter Okinawa-Boom dafür, dass Okinawa zum Inselparadies für zivilisationsmüde ‚Aussiedler‘ stilisiert wurde. Einige okinawanischen Autoren, beispielsweise Medoruma Shun und  Tefu Tefu P., versuchen durch den Bruch oder das Spiel mit bekannten Okinawa-Klischees ein eigenes, subversives Okinawa-Bild zu entwerfen. Dabei bedienen sie sich häufig des Stilmittels des magischen Realismus, weshalb Hein die These aufstellt, dass die Literatur okinawanischer Autor/innen aus einem postkolonialen Kontext heraus verstanden werden muss.

Mit „Yoko Tawada und ihre Werke: Eine transkulturelle Reise“ stellte Michiko Mae (Universität Düsseldorf) die Autorin Yoko Tawada und zentrale Motive ihres Œuvre vor. Yoko Tawada lebt seit 1982 in Deutschland und schreibt auf Deutsch und Japanisch. Mae stellt fest, dass Tawada die Fremdheitserfahrungen, die aus der Position eines Außenseiters in Deutschland und durch das Lernen und Sprechen einer Fremdsprache entstehen, als kreatives Potential benutzt. Sie positioniere ihr eigenes Sprechen und Schreiben dabei außerhalb einer bestimmten Sprache, Kultur und Nation in einem Raum des Dazwischen, der zum Ort des Schreibens und des Entdeckens wird.

Den krönenden Abschluss des Abends bildete dann die besonders gutbesuchte Lesung der bekannten Autorin Yoko Tawada. Tawada las aus ihrem neuesten Werk „Abenteuer der deutschen Grammatik“ und einigen älteren Texten. Frau Tawada ließ dabei die japanischen und deutschen Texte zu einem Erlebnis werden, bei dem das Publikum seiner eigenen Sprache wie einer Fremdsprache mit neuen Augen begegnete und in der Fremdsprache Vertrautes entdecken konnte.

"Feldforschung in Japan – Berichte aus der Praxis"
Workshop, Bachelor Plus, 11. Juni 2011, Hörsaal 2B, HHU

Die Auseinandersetzungen mit Feldforschung, Methoden und Strategien stand im Mittelpunkt des Workshop"Feldforschung in Japan - Berichte aus der Praxis" im Rahmen des Studiengangs "Bachelor Plus: Kultur- und Sozialwissenschaftliche Japanforschung" am 11.06.2011. Die drei Vortragenden Dr. des. Cosima Wagner, Michiko Uike-Bormann und Celia Spoden veranschaulichten anhand ihrer eigenen Feldforschung in Japan vor, wie sie entsprechende Vorhaben konzipiert und realisiert haben. Dabei diskutierten sie theoretische wie praktische Forschungsfragen für Interviewplanung und -durchführung, Transkription, teilnehmender Beobachtung sowie Aufnahmetechnik, Zeitmanagement oder Kontaktpflege, sodass ein reger Dialog mit den anwesenden Studierenden entstand.

Prof. Dr. Shingo Shimada begrüßte die Gäste und führte in den Workshop ein, der die Zielsetzung des neuen Studiengangs "Bachelor Plus: Kultur- und Sozialwissenschaftliche Japanforschung" unterstützt. Innerhalb des Bachelor Plus-Programms stellt studentische Forschung ein zentrales Element dar. Während des Aufenthalts in Japan führen die Studierenden ein eigenes Forschungsprojekt durch und tauschen sich online vernetzt mit den Betreuern in Düsseldorf über Fortschritte und Ergebnisse aus.

Auf eine Reise in japanologisches Neuland führte Dr. des. Cosima Wagner (Universität Frankfurt) zu Beginn des Workshops: In ihrer Dissertation untersuchte sie die gesellschaftliche Akzeptanz von Robotern in Japan und präsentierte hier einen Auszug zur "Feldforschung in Seniorenheimen in Japan - Fallstudien zur Roboter-Therapie (robotto serapii)". Dazu interviewte sie Ingenieure, Beamte des Ministeriums für Wirtschaft, Handel und Industrie (METI) wie auch Fachkräfte in der Pflege und ergänzte diese Perspektiven mit teilnehmender Beobachtung von Sitzungen der robotto serapii. An zwei Fallstudien zeichnete sie ihren Weg von Vorbereitung bis hin zur konkreten Interviewsituation nach und gab viele praktische Tipps zur Planung und Durchführung von studentischer Forschung.

Interviews und teilnehmende Beobachtung spielten eine entscheidende Rolle für Michiko Uike-Bormann, M.A. (Universität Freiburg) und ihre "Ethnologische Feldforschung in japanischen Themen- und Kulturparks". Am Beispiel des Holland-Themenpark "Huis Ten Bosch" in Nagasaki zeigte sie, wie sie einen Zugang zum Feld vorbereitete, den Kontakt mit InterviewpartnerInnen aufbaute, Interviews führte und wie die spätere Datenverarbeitung ablief. Ihr praxisorientierter Vortrag zeigte sehr anschaulich Herausforderungen und Vorteile der Grounded Theory und die Bedeutung von Flexibilität im Forschungsalltag.

Feldforschung als einen Prozess, der mitunter zu überraschenden, aber sehr produktiven Ergebnissen führen kann, verdeutlichte Celia Spoden, M.A. (Universität Düsseldorf) in ihrem Vortrag "Planen mit dem Unplanbaren: Von der Projektidee zum Interview". Ausgehend von Forschung zu "Patientenverfügungen in Japan" veränderte und erweiterte sich ihr Forschungsthema durch die Ergebnisse der Feldforschung. Sie ermutigte zu Eigeninitiative bei der Kontaktaufnahme zu möglichen InterviewpartnerInnen und zu anpassungsfähiger Zeitplanung im Feld.

Es ist geplant, die Ergebnisse des Workshops im kommenden Semester über die Düsseldorfer Japanstudien (DJAS) zu veröffentlichen.

"Japanische Populärkultur als Hybrid"
Studentisches Symposium, 21. Mai 2011, Hörsaal 3B, HHU

Anlässlich des Jubiläums der japanisch-deutschen Beziehungen veranstalteten auch die Studenten des Instituts für Modernes Japan an der Heinrich-Heine-Universität ein Symposium, auf welchem junge, angehende Forscher ihre Ideen zu Japan, im Kontext von Transkulturalität, vorstellen konnten. Unter dem Thema „Japanische Populärkultur als Hybrid – Das Überschreiten kultureller Grenzen in der Postmoderne“ trugen sowohl Studenten der HHU, als auch Gäste von anderen Universitäten, zu einer lebhaften Diskussion bei und zeigten die Aktualität eines Kulturdiskurses im Rahmen der modernen Japanforschung.

Der erste Themenblock, unter dem Titel NARRATIVES, wurde von Andreas van Straalen, Masterstudent an der Heinrich- Heine Universität Düsseldorf, mit einem Vortrag zum Thema der japanischen Detektivliteratur eröffnet. Unter dem Titel „Japanische Detektivliteratur als transkulturelle Schemaliteratur?“ zeichnete er die Geschichte des orthodoxen Detektivromans – honkaku suiri shousetsu – von der Meiji- Zeit bis in die Gegenwart nach. Es wurde aufgezeigt, wie sich der orthodoxe Detektivroman, zunächst als „Importprodukt“ und „Imitation“ westlicher Autoren, mit der Verwendung „japanischer“ Motive und Szenarien im japanischen Literaturkanon einfinden und sich bis heute erfolgreich als Genre etablieren konnte. Dieser Typ des Detektivromans ist im Westen, als „unrealistisch“ kritisiert, mittlerweile kaum noch zu finden.

Besonders hervorgehoben wurde dabei der komplexe Umgang der japanischen Autoren mit ihren westlichen Vorbildern – von einer zunächst deutlichen Verortung der Geschichten in Japan auf der einen Seite, einer ebenso deutlichen Nähe zu ihren „westlichen“ Vorbildern und der anhaltenden Popularität, auch westlicher Autoren, auf der anderen Seite. In neueren Werken des Genres spiele eine spezifische kulturelle Verortung des Romangeschehens allerdings kaum noch eine Rolle. Vielmehr liege der Fokus hier auf der Darstellung eines möglichst raffinierten Tricks, einer Täuschung des Lesers unter Rückgriff auf eine Database (Modell nach Azuma Hiroki) narrativer Merkmale.

Sebastian Boehnert, ebenfalls Masterstudent an unserem Institut, zeigte in seinem Vortrag „Mystery Japanesque? – Bilder des japanischen Mystery“ anhand verschiedener Beispiele diverse Aspekte von Japanizität und Transkulturalität im japanischen Mystery-Genre auf. Angefangen mit dem scheinbar genuin japanischen Anime Shiki und der entsprechenden, von Ono Fuyumi verfassten Romanvorlage, die sich, bei näherem Hinsehen, als stark von Stephen Kings Salem’s Lot beeinflusst zeigen, wurde der Frage nachgegangen, ob überhaupt von einem „japanischen“ Mystery-Genre die Rede sein könne.

Unter Bezugnahme auf C.L. Strauss’ Konzept der Bricolage, Azuma Hirokis Database Modell und dem in der modernen Populärkultur vor allem durch die Comic-Giganten Marvel und DC begründeten Konzept der shared worlds zeigte Boehnert die komplexe, wechselseitige transkulturelle Beeinflussung populärkultureller Produkte auf. Als weiteres Beispiel wurden hier die japanischen Beiträge zu H.P. Lovecrafts Cthulu-Mythos genannt. Diese japanischen Autoren sehen sich klar von Lovecrafts Mythos inspiriert, ihre Werke existieren jedoch auch eigenständig für sich außerhalb dieses Kontexts. Unter einem ähnlichen Aspekt wurde auch das einleitende Beispiel Shiki noch einmal aufgegriffen. Durch Kommentare der Autorin und eine genauere Untersuchung der Erzählung wurde seine Verortung in Japan und sein Aufgreifen spezifischer Thematiken nachvollzogen; der Anime und Roman zeigen sich als klar von Stephen King beeinflusste, aber gleichzeitig auch eigenständige Werke, welche auf ganz eigene Probleme verweisen und eine spezifische Art Spannung zu erzeugen beinhalten.

Abgeschlossen wurde der Vortrag durch den Vorschlag eines prozessualen Kulturbegriffs und einer Fokussierung auf die Autoren und den Entstehungszusammenhang eines Werkes – im Gegensatz zu einer Einordnung in starre Begriffe wie „den japanischen Roman“, „Manga“ oder „Anime“, um derartige komplexe Zusammenhänge angemessen beschreiben zu können.

Eine völlig andere Perspektive auf das Thema der Verarbeitung westlicher populärkultureller Produkte in Japan bot Melissa Sohlich, auch Masterstudentin an der HHU. In ihrem Vortrag „Zwischen Sissi, Benny Goodman und Metal: Adaptionen westlicher Kulturprodukte in der Takarazuka-Revue“ veranschaulichte sie die fast 100-jährige Geschichte des japanischen Takarazuka-Theaters. Seit Gründung im Jahre 1913 konnte das Revue-Theater mit seinen ausschließlich weiblichen Mitgliedern eine breite Fangemeinde sammeln und sich einen ganz eigenen Platz in der japanischen Unterhaltungslandschaft sichern.

Anhand der Umsetzung des Musicals Elisabeth von Michael Kunze oder der Adaption des Liedes „Sing, Sing, Sing“ von Benny Goodman erläuterte Sohlich, wie durch die Anpassung westlicher (Pop-) Kulturprodukte an die Vorstellungen eines japanischen Publikums, an den Rahmen der Revue und an die Werte, die die Revue seit ihrer Gründung vertritt – „Sei unschuldig, aufrichtig und schön“ (jap. kiyoku, tadashiku, utsukushiku) – eine ganz eigene Ästhetik hervorbracht wird. Gleichzeitig wurde die relative Verschlossenheit der japanischen Fangemeinde speziell gegenüber ausländischen Fans aufgezeigt. In Kombination mit den eher konservativen Werten, die durch die Takarazuka-Revue vermittelt werden sollen, zeigt sich hier, wie trotz aller von „außen“ aufgenommener Einflüsse aktiv ein eigener Raum konstruiert und abgegrenzt wird.

Im zweiten Themenblock mit dem Titel GLOBAL nahmen sich die Referenten Beispiele aus der Landschaft der westlichen Unterhaltungsmedien vor. Unter der Verwendung dieser Exempel sollte gezeigt werden, wie in der Gegenwart Prozesse in japanischen Medien ablaufen und ähnliche Muster auch im Westen anzutreffen sind. Wie auch schon im ersten Themenblock herausgestellt, ist es heute nicht mehr ausreichend, nationale Ursprünge als Grenze anzusehen, wie diese Beiträge auch verdeutlichen konnten.

Katharina Hülsmann, Masterstudentin an der HHU, verknüpfte in ihrem Vortrag „Sucker Punch im internationalen Datenbankmodell“ einen aktuellen Blockbuster mit dem Database-Modell nach Azuma Hiroki. Dadurch wurde verdeutlicht, dass sich auch im Westen an der von Azuma attestierten Datenbank von Archetypen und Standardmodellen fiktiver Werke bedient wird. Teilweise stark beeinflusst durch Manga-esque Entwürfe und Settings, stellt Sucker Punch für Hülsmann ein Paradebeispiel für solch eine grenzüberschreitende Teilnahme an einem als Otaku-Konzept entworfenen Modell dar.

Außerdem warf sie die These auf, dass die sogenannte „Otaku-Kultur“ sowie das daraus hervorgegangene Database-Modell keineswegs rein japanische Konzepte sind, da sich diese in postmodernen Theorien (auch nach Jean Baudrillard) begründen. Von Theoretikern wie Ôtsuka Eiji und Azuma Hiroki wurden diese Konzepte, zum „konsumieren und produzieren“, jedoch lediglich für Japan entworfen. Hülsmann schlägt daher vor, dass man diese in Japan entworfenen Modelle vielmehr als Grundlage für einen aktuellen, globalen Mediendiskurs nutzen sollte.

Einem Beispiel aus dem amerikanischen Kinder- und Jugend-TV widmete sich Kenji-Thomas Nishino, Promovent an der Universität Bonn, mit seinem Vortrag unter dem Titel „Avatar – The Genderbender“. Er eröffnete mit der These, dass, obwohl sich die Serie an ein jüngeres Publikum richtet, sie dennoch hoch komplex sei und auf verschiedenen Ebenen analysiert werden könne. Als Beispiel wählte er hier hybride Formen von Geschlechter-Konstruktion, welche sich als überraschend vielschichtig und variabel für eine „Kinderserie“ herausstellen.

Die Spannung der Serie, so Nishino, ist begründet in der flexiblen, nicht an binäre Strukturen gebundenen Geschlechterzuteilung, welche jenseits von simplen Männer- und Frauenrollen konstruiert wird. Geschlecht, von der Perspektive der Gender- und Queer-Studies, wie z.B. nach der von Nishino zitierten Judith Butler betrachtet, erhält also in der Serie eine definitive narrative Funktion. Nishino stellt jedoch fest, dass sich die Serie dennoch nicht gegen eine klassische Geschlechterverteilung ausspricht, diese letztendlich sogar bestätigt und moralisch positiv bewertet. Und auch wenn sich dieser Beitrag nicht direkt mit der Frage nach japanischem oder westlichen Ursprung beschäftigte, so war die Betrachtung einer Serie, die sich ganz klar als Mischform aus amerikanischer und japanischer Populärkultur inszeniert, doch sehr aufschlussreich.

Der dritte Themenblock PERFORMANCES befasste sich einerseits mit performativen Identitätsentwürfen jenseits von festen nationalen Grenzen, als auch mit kulturellem Austausch über diese hinaus. Die Globalisierung kultureller Aspekte zeigt sich vor allem durch international vermittelnde Akteure, sowie neue Entfaltungs- und Verbreitungsmöglichkeiten über kontemporäre Formen visueller Medien.

Oliver E. Kühne, Mitglied des Promotionsverbunds „Heilige Texte“ der Universität Tübingen, begann den Block mit seinem Vortrag „(Trans-)kulturelle Grenzgänger – Otaku-Kultur als subversiver Hybridraum kulturellen Erlebens“, der den Versuch der kulturellen Verortung einer Person darstellte, die 2010 durch filmische Performanz über die Internet-Platform youtube ein im Verhältnis beachtliches Maß an Bekanntheit in Japan erlangte. Beckii Cruel betrieb Cosplay von bekannten Anime-Charakteren oder stellte eigene Moe-Outfits zusammen, in denen sie ParaPara-Tanzimprovisationen vorführte. So wurde ein japanischer Manager auf sie aufmerksam, was zur Veröffentlichung von CDs, Photobooks und Auftritten in Fernsehsendungen und Werbespots führte. Rebecca Flint befindet sich durch ihre von nationalen Ursprüngen losgelöste und somit transkulturell konstruierte Identität namens Beckii Cruel in konstanter Fluktuation. Um also das Forschungsobjekt nicht in seiner Freiheit, mehrere Identitäten zu besitzen, zu beschneiden, schlug Kühne deshalb vor, Phänomene dieser Art als eine Splitter- oder Mosaik-Kultur zu begreifen.

Diese Begrifflichkeit leitet Kühne von den Theorien von Judith Butler und Julia Kristeva ab, die beide in ihrem intertextuellen Verständnis eine definitive Zuschreibung geschlechtlicher und nationaler Eigenschaften und Identitäten als fragwürdig herausstellten. Beide beschreiben ein Bild vom Reisen zwischen Identitäten und Nationen, die niemals endet und bei der sich das Individuum immer im Wandlungsprozess befindet. Zwar begründet Kristeva den Grund dieser Verbildlichung darin, dass Individuen, die sich von ihrer ursprünglichen Nationalität entfremdeten, niemals die ihnen fremde Sprache perfekt erlernen können und somit nur eine Prothese zum kommunizieren verwenden; Beckii Cruel jedoch braucht keine Kenntnis der japanischen Sprache, nicht einmal „der“ japanischen Kultur. Sie wählt gezielt aus japanischer Pop-, bzw. Subkultur Fragmente heraus, setzt sie mehr oder weniger originell zusammen und spricht nicht, sondern schweigt unter Fremden, fühlt sich jedoch mit diesen verbunden, indem sie tanzt.

Im letzten Vortrag des Symposiums mit dem Titel „Rollenspiele im Fluss: Zur Geschichte und Aneignung in Japan“ stellte Björn-Ole Kamm, Promovent im Cluster of Excellence der Universität Heidelberg, sein Promotionsvorhaben vor. Rollenspiele wurde hier verstanden als Sammelbegriff für popkulturelle Unterhaltungsspiele mit verschiedensten Wurzeln, von denen sowohl analoge als auch digitale Varianten, also Karten- und Computerspiele, in den 1970er Jahren auch Japan erreichten. Durch den erfolgreichen Beitrag digitaler japanischer Rollenspielreihen wie Final Fantasy auf globaler Ebene, wird der Begriff RPG (roleplaying game) mittlerweile sowohl in Japan als auch im Westen mit Konsolenspielen gleichgesetzt; in dem Westen, wo das Rollenspiel eigentlich als Tabletop-Spiel seinen Anfang nahm.

Der Vortrag bot einen historischen Überblick der Entwicklung und Transformation dieser Spielgattung in Japan, als auch der flows zwischen japanischen, amerikanischen und europäischen Rollenspielern. Kamm bezog sich dabei vor allem auf die speziell in Japan gegebenen Rahmenbedingungen der Adaption und nannte die Relevanz kosmopoltischer Akteure innerhalb dieses Kontextes. Hierzu verwendete er Ergebnisse aus qualitativen Interviews mit japanischen Rollenspielern, die sich auch in ihrer Funktion als kosmopolitische gatekeepers erweisen, sowie Expertengesprächen mit Game Designern und Illustratoren. Hierbei ergab sich z.B., dass das im Westen sehr beliebte LARP (live-action roleplaying) in Japan nicht ausgelebt wird und auch die Identifikation mit den gespielten Rollen nur insofern stattfindet, als dass es der Entwicklung der Handlung des Spieles hilfreich ist. In seiner Arbeit möchte Kamm die Akteure, die sich international austauschen, mit dem kommunikationswissenschaftlichen Konzept der opinion leaders vergleichen.

Im Laufe des Symposiums kam es zu einer lebendigen Debatte, welche sich auf verschiedenen Ebenen um die Frage nach Japanizität und neuen kulturellen Denkmustern im gegenwärtigen Kontext drehte. So war eine der leitenden Fragen, wie man heutzutage neue Methoden finden könne, um Popkultur und entsprechende Produkte wissenschaftlich zu untersuchen. Eine Frage, die natürlich besonders für angehende Wissenschaftler von grundlegendem Interesse ist. Dabei wurden auch die diversen Felder deutlich, auf denen gedankliche Grenzen gezogen, aber auch wieder eingerissen werden müssen.

"Vom Japonismus zur Japanimation"
Symposium, 20. Mai 2011, Goethe-Museum Düsseldorf

Sei es Van Gogh, der mit dem Pinsel die Linienführung japanischer Holzschnitte übernahm und damit die Landschaft der Provence lebendig auf Papier bannte, seien es deutsche Mangaka, die heute im Stil japanischer Comics Fantasiegeschichten zeichnen – der kulturelle Austausch zwischen Japan und dem Westen ist seit dem 19. Jahrhundert sehr fruchtbar. Bei dem vom Instiut für Modernes Japan veranstalteten Symposium "Vom Japonismus zur Japanimation" im Goethe-Museum Düsseldorf wurde die Vielfalt dieser kulturellen Austauschprozesse in sechs Vorträgen aufgezeigt.

Michiko Mae, die Initiatorin des Symposiums, stellte heraus, dass die Auseinandersetzung mit der japanischen Kunst für die europäischen Künstler des ausgehenden 19. Jahrhunderts einen schöpferischen Prozess in Gang gebracht habe, der ihnen neue künstlerische Gestaltungsformen ermöglichte und einen wesentlichen Faktor für die Hervorbringung der Moderne darstellte. "Die japanische Kunst nahm damals die Rolle des Befreiers und des Helfers ein." Mae sieht auch in der gegenwärtigen weltweiten Beliebtheit japanischen Populärkultur wie Anime, Manga und Cosplay ein solches Potential zum "Katalysator": "Diese Werke der Popkultur können eine subversive und emanzipatorische Wirkung entfalten."

Dennoch zeige sich in der aktuellen Medienberichterstattung zur Dreifachkatastrophe in Japan, dass das deutsch-japanische Verhältnis immer noch von Topoi der Fremdheit bestimmt sei. So sei von den "stoischen Japanern" die Rede und es kämen Erklärungsversuche auf, die vom Ehrenkodex der Samurai bis zu den Kamikaze-Fliegern reiche. "Das liegt daran, dass wir Kulturen immer noch als Nationen denken, als geschlossene Einheiten", erklärte Mae. Die Professorin plädierte daher für ein Verständnis von Kultur als ein sich öffnender lebendiger Prozess, was unter dem Begriff der "Transkulturalität" gefasst werden kann.

Susan Napier, die eigens von der Tufts University (Boston) angereist war, unternahm in ihrem Vortrag eine kritische Neuansicht des Orientalismus-Konzeptes von Edward Said. Ihrer Meinung nach reicht es nicht aus, die Beziehung zwischen Japan und dem Westen nur unter den Vorzeichen von Dominanz und Macht zu betrachten. Als Kategorien der Betrachtung schlägt sie vor: Power, Pleasure, Play, Liberation, Compensation und Critique. Die Vielfalt der Japan-Rezeption, die Napier in ihrem Vortrag sehr anschaulich darstellte, reichte von den französischen Impressionisten über den Film "Rising Sun" (Philip Kaufman, 1993) bis zu den Einflüssen von Miyazakis Anime auf die Pixar-Filme.

Wie sich die Idee von dem "typisch japanischen Garten" im Westen entwickelte, zeigte Christian Tagsold vom Institut für Modernes Japan auf. Die ersten japanischen Gärten Europas waren im 19. Jahrhundert auf den Weltausstellungen zu sehen. "Damals gab es noch keinen Wissenskanon zu japanischen Gärten", erklärte Tagsold. So hätten beide Seiten – der Westen, aber auch Japan selbst – die Idee von einem japanischen Garten erst noch formulieren müssen.

Eine Möglichkeit, vermeintliche Authentizität zu schaffen, war der Einsatz von japanischen Gartenbaumeistern. Als in Düsseldorf 1904 zur internationalen Kunst- und Gartenbauausstellung der erste japanische Garten Deutschlands auf dem heutigen Tonhallengelände angelegt wurde, war der Baumeister allerdings ein Deutscher, der Gartenarchitekt Reinhold Hoemann. Nach Eigenaussage der Macher entstand der Garten dennoch "streng nach japanischem Vorbild": Eine Foto des Fukiage-Parks in Tokyo diente als Vorlage. Dies zeigt, welche große Bedeutung die Fotografie schon um die Jahrhundertwende für das Japan-Bild im Westen erlangt hatte.

Welche Kompositionsprinzipien deutsche Künstler aus der japanischen Kunst übernahmen erläuterte Claudia Delank, die in Köln eine Galerie unterhält und an der Kunstakademie Düsseldorfs als Lehrbeauftragte tätig ist. Sie konzentrierte sich dabei vor allem auf die Künstler des "Jungen Rheinlandes", einer Künstlervereinigung, die 1919 in Düsseldorf gegründet wurde. Zu der Gruppe gehörte unter anderem August Macke, der schon 1905 Interesse an japanischer Kunst entwickelt hatte, zunächst Manga von Hokusai abzeichnete und dann Prinzipien wie die Betonung von Körperumrissen mit schwarzen Linien in sein eigenes künstlerisches Schaffen integrierte.

Weitere Mitglieder der Vereinigung, die sich von Japan inspirieren ließen, waren Georg Oeder, Heinrich Nauen, Walter Ophey und Otto Pankok. "Die Maler des rheinischen Expressionismus gewannen durch die Anregungen aus der japanischen Kunst eine neue Sehweise", erläuterte Delank. Es sei nicht mehr Ziel gewesen, ein illusionistisches Abbild zu schaffen, sondern stattdessen das Wesen der Dinge zu erkennen und in eine eigene Formensprache zu übersetzen.

Ausgangspunkt des Vortrages von Stephan Köhn von der Japanologie Erlangen war eine Verschärfung der Zensur populärkultureller Produkte, die letztes Jahr, unter anderem auf Initiative des Gouverneurs von Tokyo, Ishihara Shintarô, in Japan eingeführt wurde. Durch diese Zensurverschärfung, die vor allem auf mögliche kinderpornographische Elemente abzielt, könnte es massive Probleme zum Beispiel für Manga aus dem sogenannten "Boys'-Love"-Genre geben, deren Thema homoerotische Beziehungen zwischen Knaben bzw. männlichen Jugendlichen sind. Boys'-Love-Manga werden vor allem von Frauen konsumiert, die in der Partnerschaft zweier Jungen die ultimative Liebesbeziehung sehen.

Eine Politisierung japanischer Populärkultur findet aber nicht nur im Bereich der Zensur statt. Wie Stephan Köhn aufzeigte, stellen teilweise die gleichen Akteure Manga und Anime in den Dienst eines "Kulturnationalismus light", der Japans "Pop-Power" als wichtiges Exportgut sieht. Subkulturelle Gruppen wie die Otaku – Menschen, die sich durch extremen Konsum populärkultureller Medienprodukte auszeichnen – werden so einerseits als eine Art "Kulturbotschafter" ins Licht der Öffentlichkeit gedrängt und staatlicherseits vereinnahmt, andererseits werdem die Produkte, die sie konsumieren, sehr kritisch beäugt und der Zensur anheimgestellt.

"Nach cool Japan" war das Thema von Steffi Richters Vortrag, der sich auch stark auf die aktuellen Ereignisse in Japan bezog und problematisierte, welche Auswirkungen die Dreifachkatastrophe haben wird – auf die Gesellschaft insgesamt, aber auch auf die Populärkultur. Unmittelbar spürbare kleine Indizien waren zum Beispiel, dass einige Computerspiele mit Katastrophen- oder Atomthemen, die in Japan kurz vor der Veröffentlichung standen, gestoppt wurden. Der Kulturkritiker Azuma Hiroki, der für seine Untersuchungen des Otaku-Phänomens bekannt ist und sonst keinesfalls nationalistische Tendenzen erkennen lässt, äußerte in der New York Times Bewunderung für den Zusammenhalt der japanischen Nation und nutzte dabei eine Popkultur-Vokabel: "the Japanese people seem to have completely transformed their kyara."

Ôtsuka Eiji, ein Autor und Kulturkritiker, der sich ebenfalls sehr stark mit Popkultur auseinandersetzt und in einem seiner neuesten Werke die "Cool Japan"-Kampagne als "Irrläufer der Ökonomie in Krisenzeiten" bezeichnet, hat sich bisher nicht zur Katastrophe in Japan geäußert. Steffi Richter stellte jedoch einen Text von ihm vor, in dem er sich bereits 1988 mit der Anti-Atombewegung in Japan auseinandersetzte. Ôtsuka betrachtete die Bewegung damals als Mode-Welle, der das Bewusstsein dafür fehlte, dass wir selbst den radiokativen Müll als Schmutz der Stadt hervorbringen. "Ôtsuka hat einen sehr scharfen Blick für Systemfragen", stellte Richter fest. "Er zeigt hier ganz klar unser Involviertsein auf."

„Gender und japanische Populärkultur“
17. Gender-Workshop, 25.-26. November 2010, Frankfurt am Main

Der Gender-Workshop „Geschlechterforschung zu Japan“ – der mittlerweile zum 17. Mal stattfand – behandelte das aktuelle Thema „Gender und japanische Populärkultur“ und wurde von Prof. Dr. Dr. h.c. Michiko Mae (Universität Düsseldorf) gemeinsam mit Dr. des. Julia Siep (Universität Düsseldorf) und Dr. Ina Hein (Universität Wien) durchgeführt. In fünf Vorträgen wurde das Thema aus kultur- und sozialwissenschaftlicher Perspektive beleuchtet.

Nach einer kurzen Begrüßung und einer Vorstellungsrunde aller Teilnehmer/innen leitete Michiko Mae mit ihrem Vortrag „Revolution der Genderkonzeption in der japanischen Populärkultur?“ in die Thematik ein. Die zentrale Frage lautete: Haben neue Genderkonzepte in der japanischen Populärkultur einen Wandel in der realen Gesellschaft gebracht oder haben sie nur eine Parallelwelt hervorgebracht? Weil Produkte der Populärkultur, in denen durchaus neue Gendermodelle dargestellt werden, von den älteren Generationen kaum wahrgenommen werden, scheint sich die Parallelwelt-These zunächst zu bestätigen, dass diese neuen Gendermodelle nur in der populärkulturellen Welt der jüngeren Generationen existieren. Dennoch werden solche neuen Lebensmodelle auch in der gesellschaftlichen Realität von nicht wenigen Otaku und Fujoshi (weibliche Fans von sogenannten boys’-love-Manga) auf ihre Weise gelebt. Anhand zahlreicher Beispielen aus verschiedenen populärkulturellen Bereichen (shôjo manga, anime, otaku/fujoshi etc.) warf der Vortrag viele aktuelle Fragen auf und gab Denkanstöße, die den ganzen Workshop über immer wieder aufgegriffen wurden.

Ina Hein und Julia Siep knüpften mit einer Diskussionsrunde an den einleitenden Vortrag an. Die Seminarteilnehmer/innen besprachen in Kleingruppen anhand einiger ausgewählter Zitate aus der Populärkulturforschung die vier Themenbereiche „Populärkultur und Intersektionalität“, „Populärkultur – Progessivität vs. Konservatismus?“, „Populärkultur, Repräsentation und Macht“ sowie „Populärkultur – Hybridität/Queerness vs. neue Grenzziehungen?“. Unter anderem wurde die Beziehung von Konsum und Populärkultur problematisiert: Werden populärkulturelle Medien bloß rezipiert, oder gibt es eine aktive Auseinandersetzung, die auch gesellschaftlichen Wandel anstoßen kann? Wer hat die Macht, neue Diskurse zu definieren, und kann man überhaupt erwarten, dass Massenprodukte alternative Perspektiven aufwerfen? Die wichtigsten Ideen und Ergebnisse wurden mithilfe eines Flipcharts präsentiert und dienten als Erwartungshorizont, Leitfragen und Orientierungspunkte für den Workshop.

Den Tagesabschluss bildete der Vortrag „Geschlechtersegregation am Spieltisch, Transgender im Geist? – Nicht-digitales Rollenspiel in Japan“ von Björn-Ole Kamm (Universität Leipzig). Auf der Grundlage von Interviews, die er in Japan durchgeführt hat, konnte Kamm die Probleme aufzeigen, denen weibliche Spieler auf Conventions begegnen, aber auch die Problematik in der Darstellung weiblicher Charaktere durch männliche Spieler. Es ließ sich das Fazit ziehen, dass es zwar gängige Praxis ist, dass Männer in nicht-digitalen Rollenspielen Frauenfiguren verkörpern und umgekehrt, dass damit aber dennoch die bestehende Geschlechterordnung nicht unterlaufen, sondern im Gegenteil durch die konventionellen Gendervorstellungen der Spieler eher gefestigt wird.

Der zweite Tag des Workshops begann mit der Präsentation von Johanna Mauermann (Universität Frankfurt), die sich mit der „Weiblichen Identitätssuche in japanischen Handyromanen“ beschäftigte. Anhand verschiedener Beispiele erläuterte sie, dass Handyromane auf die Bedürfnisse junger Frauen zugeschnitten werden und dabei ein konventionelles Frauenbild zeichnen. Die weiblichen Protagonistinnen finden ihr Glück nur in der großen Liebe und sind bereit, dafür alles zu opfern. Ein Ergebnis lautete, dass diese regressiven Tendenzen eine Reaktion auf die Verwischung der Geschlechtergrenzen in der Populärkultur zu sein scheinen.

Christian Weisgerber (Universität Trier) thematisierte in seinem Vortrag „Der weinende Mann in der Momotarô-Fabula – Eine Konstante und ein neues Element“ exemplarisch an den shônen-Werken One Piece und Naruto das Motiv weinender Männlichkeit. Ausgangspunkt ist die Figur Momotarô, die sowohl als Modell für die hegemoniale Männlichkeitsnorm des „Betriebskriegers“ steht als auch als Prototyp für populäre shônen-Werke gelten kann. Weisgerber ging der Frage nach, was passiert, wenn männliche Figuren weinen und welche Auswirkungen dies auf Männlichkeit im heutigen Japan hat.

In dem abschließenden Vortrag „Boys’ Love in Japanese Shôjo Manga; its Historical Background and the Modern Transformation“ von Saeki Junko (Dôshisha Daigaku, Kyôto) ging es um die Darstellung der Liebe zwischen Jungen und jungen schönen Männern in Manga, deren Zielpublikum Mädchen und junge Frauen sind (boys’ love Manga). Frau Saeki gab einen umfassenden Überblick über die historische Entwicklung dieses Genres und diskutierte dann mögliche Gründe für die Beliebtheit des Motivs der Boys’ Love.

Der Workshop endete mit einer Abschlussdiskussion, in der die gewonnenen Erkenntnisse reflektiert und auf die eingangs gemeinsam formulierten Leitfragen zurückbezogen wurden. Außerdem wurde diskutiert, welche Fragen offen geblieben sind und welche Forschungsfelder sich aus diesen offenen Fragen ableiten lassen. Außerdem überlegten die Teilnehmer/innen gemeinsam, welches Thema im Mittelpunkt des Gender-Workshops 2011 in Ludwigshafen stehen könnte.